СТАТЬЯ ИЗ ЖУРНАЛА MINSK WHERE СЕНТЯБРЬ 2011 09 01 2012

Еще несколько лет назад рынок антиквариата переживал небывалый бум, и даже после мирового кризиса вкладывать в "старину" по-прежнему выгодно, ведь категории некоторых раритетов становятся ценнее с каждым годом. Несмотря на это, настоящих ценителей антиквариата в Беларуси можно пересчитать по пальцам: традиция сохранения прекрасного была прервана в 1917 году и начинает возрождаться только сейчас. О том, как обстоит дело с рынком старинных вещей в Беларуси, where Minsk беседовал с владельцами антикварного салона Игорем Сурмачевским и Евгением Хмельницким.

Текст: Анна Санникова

Радзивилы, Тышкевичи, Чапские — эти фамилии были хорошо знакомы в Европе XVIII—ХIХ веков. Знали там и об успешных белорусских мануфактурах: стекольных заводах в Налибоках и Уречье, изготовлении гобеленов в Кареличах, знаменитых поясах в Слуцке. Сейчас найти эти пояса в Беларуси практически невозможно. "Полюбоваться работой слуцких ткачих на родине можно только в Мирском замке и в Национальном художественном музее Республики Беларусь", — говорит Игорь. "И у нас в магазине",— добавляет Евгений, бережно вынимая из голландского креденса XVII века сверток с редчайшим артефактом. Что любопытно — это не та вещь, которая сразу же улетит с молотка: она вообще приобреталась не для прилавка. Есть неплохой шанс, что Слуцкий пояс осядет в частной коллекции Игоря: уже больше тридцати лет он собирает наследие князей Радзивилов и другие раритеты ВКЛ, среди которых, например, изящный перстень-печатка с гербом графа Чапского.
Между тем в Беларуси каждый седьмой был шляхтичем. Чтобы узнать, чем владел фамильный род, можно заглянуть в Национальный исторический архив. В нем любой желающий может посмотреть в так называемые "тестаменты" — своего рода завещания, в которых человек перечислял все, чем владел и что хотел передать своим близким. "И вот там пишут: была серебряная посуда, была оловянная посуда — а ведь тогда олово ценилось не меньше, чем серебро. Многое из нажитого не дожило до сегодняшних времен: часть была вывезена во время многочисленных войн на протяжении трех последних веков, остальное не берегли новые хозяева. Зачастую, не зная, как поделить, к примеру, серебряный чайник, доставшийся потомкам после 1917 года, они просто разрезали его пополам" — комментируют антиквары. Отчасти из-за такого небрежного отношения к своему прошлому из всего огромного наследия "страны замков" до нашего времени сохранилось лишь 3% от предметов старше 200 лет.

Фальсификаторы и махинаторы
Еще пятнадцать лет назад русский и европейский антиквариат стоили примерно одинаково. Но в последние десятилетия цены на русские предметы интерьера, мебель, серебро взмыли до небес. А все потому, что разбогатевшие россияне пытаются вернуть вывезенные в советское время артефакты на родину. Однако бумом русского антиквариата очень быстро воспользовались мошенники, наводнив рынок множеством фальшивок. Весной 2004-го с торгов Sotheby’s всего за полчаса до начала был снят пейзаж псевдо-Шишкина, за который аукционисты просили один миллион долларов. А уже в 2005 году крупнейший специалист по русской живописи XIX века и сотрудник Третьяковской галереи Владимир Петров раскрыл одну из крупнейших махинаций последнего времени: оказывается, западную живопись стали переделывать в русскую. Схема фальсификации была простой и вместе с тем технологически изощренной. Мошенники покупали картины западных мастеров, а затем просто меняли в них подпись. Подделывали виртуозно: новую подпись внедряли в старый красочный слой, покрывали специальным лаком, и подпись уже не читалась даже в ультрафиолетовых лучах. Экспертиза подтверждала сходство и по времени, и по материалам — ведь отобранные фальсификаторами западные художники работали в то же время и в той же технике, что и их русские коллеги. Эксперты подозревают, что подделками являются многие работы Айвазовского и Репина, проданные на русских торгах за последние годы. Но одним из самых талантливых фальсификаторов XX века считается голландец Ханс ван Меегерен, который подделывал полотна, чтобы отомстить миру за равнодушие к нему как к художнику. Этот талантливый мошенник разбогател на подделках работ гениального Яна Вермеера Дельфтского. Разоблачить фальшивки помогла случайность: Меегерен оказался среди тех, кого арестовали в 1940-е годы за сотрудничество с фашистами. Дело в том, что он продал несколько картин самому рейхсмаршалу Германии Вильгельму Герингу. Чтобы облегчить свое положение, художник признался в фальсификации — мол, продавал не ради прибыли, а просто хотел заработать средства к существованию. Специалисты не верили ему до последнего — настолько технически совершенными были подделки. Ван Меегерен покупал полотна XVII века и вписывал их детали в свои картины. При этом он использовал старые краски, счищая их с чужих полотен и растирая со старым льняным маслом. И только после того как Ханс ван Меегерен прямо в тюремной камере написал картину в стиле художника Дельфтского, ему поверили. Правда, за свое мошенничество псевдомастер получил небольшой срок.

Жемчужины среди хлама
Ошибаются эксперты Третьяковской галереи, ошибается технологическая экспертиза, временами ошибается даже сложнейший химический анализ. Правда, существуют люди, которые изучают технику одного художника всю свою жизнь. Так, в Москве есть специалист по творчеству Айвазовского — Наталия Игнатова. Эксперт знает, как писал художник, какие краски использовал, каким был нажим кисти, в какую сторону шел мазок. Но до таких профессионалов покупатели добираются не всегда. Именно поэтому тем, кто готов вкладывать деньги в антиквариат, нужен дилер. Как правило, это человек, который вращается в сфере предметов искусства не один год, знает им цену и может подсказать, какие вложения окупятся скорее. Кроме того, дилеры могут гарантировать, что приобретенные статуэтки или напольные часы не украдены из какого-то музея. Конечно, каждый может сам штудировать списки пропавших предметов, следить за новинками аукционов и ходить за удачей на "поле чудес" в Ждановичи. Но, во-первых, это серьезная работа, которая пожирает львиную долю времени. А во-вторых, как показывает опыт, жемчужины среди хлама попадаются очень редко. "Каждый интересующийся антиквариатом ждет, когда что-то вдруг появится, — говорит Евгений. — Это может быть раз в год, а может — раз в десять лет, но это самый счастливый момент, когда ты берешь предмет и понимаешь — это оно. Самое главное в антиквариате — иметь знания и понимать предмет. Я специалист по декоративно-прикладному искусству, Игорь — специалист по живописи". Многие же, сделав покупку на барахолке, годами верят, что кустарные подделки — это и есть произведения знаменитых мастеров: "Как-то к нам в салон приносили простое изделие из бронзы, называли сумасшедшую цену. А была и картина — слабая копия 1930-х годов с Айвазовского. Правда, карандашом подписано "Айвазовский" — и за произведение уже просят полтора миллиона долларов. Конечно, человека, который десять лет смотрит на эту картину и думает, что это Айвазовский, уже никто не переубедит". Самые популярные предметы, которые приносят в салон, — самовары и часы с кукушками, все послевоенное. Однако в последнее время в цене взмыл советский фарфор 1950—70 годов ХХ века. Факт в том, что любая вещь со временем может стать антиквариатом. "Кто мог подумать, что машины "Победа" или ЗиМ когда-нибудь будут такими дорогими? — говорит Игорь. — Поэтому так важно, чтобы в семьях снова появилась традиция из поколения в поколение передавать семейные ценности".

Подверстки
По-настоящему ценные вещи в антикварные салоны приносят редко. Если такое случается, остается договориться о цене — а дальше предмет либо выставляется на комиссию, либо отправляется на реставрацию. В Беларуси экспертизу проводит Национальный художественный музей. Правда, международной сертификации он не имеет, поэтому отечественные специалисты могут лишь описать предмет: время, материал, состояние. Эксперты, чья печать считается гарантом качества, есть в Москве, так что в спорных ситуациях заключение просят сделать именно их.

Советы:
- Если вы хотите вложить средства в антиквариат, найдите грамотного дилера, лучше всего по рекомендации и с опытом работы на рынке не меньше пяти лет.
- Если вы решились попытать удачу на рынках, проштудируйте как минимум несколько книг по искусству и проверьте "черные списки" украденных вещей на сайте Росохранкультуры (rosohrancult.ru).
- В хорошем антикварном салоне можно купить или продать вещь, отреставрировать и оценить ее. На меньшее не соглашайтесь.
- Если вы хотите продать антиквариат, не идите в ломбард — там работают перекупщики, которые все равно в итоге придут в антикварный салон. Поэтому они, как правило, серьезно занижают цену.







ПОБЕДА ОТВАГИ НАД ГОРДЫНЕЙ 10 01 2012

Победа отваги над гордыней
Картины "малых голландцев" хранятся в Эрмитаже, Лувре, Метрополитене, Мюнхенской Пинакотеке. Такие произведения могли себе позволить немногие коллекционеры прошлого, среди которых были Семенов-Тян-Шанский, Карл Фаберже, князья Долгорукий и Юсупов. Сегодня же приобрести жемчужину изобразительного искусства можно в Минске: в столичном антикварном салоне представлена картина Яна Асслейна "Конный бой на мосту".

Путь мастера
Одним из ярких представителей живописи голландского Золотого века является Ян Асслейн. Первые уроки живописи он брал у Эсайаса ван де Велде, который прославился как мастер пейзажа и батальных сцен. Затем, чтобы постичь все азы старой европейской живописи, Асслейн путешествовал по Франции и Италии. По возвращении, уже состоявшимся мастером, он вступил в гильдию живописцев Амстердама. За небольшой рост и изогнутые пальцы Асслейна на родине прозвали Krabbetje — "Маленький краб". Однако это не помешало живописцу создавать шедевры. Самой известной работой мастера стала композиция "Лебедь". На картине изображена большая белоснежная птица, которая бесстрашно защищает свое гнездо от охотничьей собаки. Впоследствии эта картина стала символом борьбы за независимость Голландии против Испании.

Битва на мосту
Виртуозность кисти Яна Асслейна ярко проявилась в работе "Конный бой на мосту", датированной 1636 годом. Сюжет полотна посвящен одной из многочисленных битв Тридцатилетней войны 1618—48 годов, затронувшей практически все европейские страны. Композиция картины кажется на первый взгляд простой, но в этом и есть мастерство живописца: сосредоточить взгляд зрителя на главном — атаке шведских кавалеристов на пикинеров германской армии. К слову, похожая по композиционному построению работа этого же мастера находится в Эрмитаже. Строй пикинеров являлся грозным оружием в XVII веке. Но атака шведов была столь неожиданной, что солдаты императорской армии не успели подготовиться к бою. Погибли aпервые воины, в том числе и германский барабанщик. Однако пикинеры не пали духом — на первом плане один из них бесстрашно бросается на шведского всадника. Композиция картины полна трагического действия, и автор позволяет зрителю самому решить, кто победит в этой стычке. Следует отметить, что голландская батальная живопись создала свой жанр так называемой прозаической сцены битвы, в отличие от итальянцев, у которых страсти войны бьют через край. Помимо изображения самой борьбы, голландцы еще подразумевали подтекст в каждой детали картины, который был понятен современникам. Со временем аллегорию картин искусствоведам приходится читать как некую тайнопись. На данной картине главная сцена может быть истолкована как победа Отваги (пеших пикинеров) над Гордыней, воплощением которой является всадник на белом коне.

Украшение по-голландски
Голландия XVII века. Упорный и кропотливый труд всего населения маленькой страны дал старт бурному развитию торговли. Особое место в обществе занимала не аристократия, как это было в остальной монархической Европе, а средний класс — быстро развивающаяся буржуазия, которая и выступила основным заказчиком-вдохновителем творчества живописцев. Не только городские жители, но и зажиточные крестьяне, отдавая дань моде, украшали свои незамысловатые интерьеры "досками с картинками". Поэтому и размеры картин были невелики, за что создателей камерного жанра прозвали "малыми голландцами".

Сурмачевский И.В.
Картина продается в нашем Антикварном Салоне.







“КУСОЧЕК” ВЕРСАЛЯ 18 02 2012

Мебель времен Людовика XIV часто называют мебелью стиля "Буль" по имени основателя мебельной фабрики Андре-Шарля Буля. Париж при "короле-солнце" должен был выглядеть как центр мироздания, поражая всех своим великолепием и мощью. В столице полным ходом велись работы по расширению Лувра. Однако Людовик XIV не был удовлетворен реконструкцией парижских дворцов. Ему нужен был не просто дворец, а резиденция, которая затмила бы все строения Европы. Взор короля устремился к небольшому охотничьему замку отца, расположенному в 17 километрах от столицы — Версалю. Превратить Версаль в мировую жемчужину дворцового и паркового искусства было поручено архитектору Мансару и садовнику Ленотру. Для наполнения интерьеров королевской резиденции требовалось много мебели. Однако нужна была не обычная дворцовая мебель, а настоящие произведения искусства, достойные "короля-солнца". И в 1672 году Андре Буля представили королю как мастера, который лучше всех может справиться с этой нелегкой задачей. Во время титанической работы над мебелью для Версаля и был разработан фирменный стиль "Буль".

Королевский декор
Особенностью мебели в стиле "Буль" была плоскостность декора, выполненного в технике сочетания панциря черепахи и золоченой латуни. Для инкрустации использовался панцирь черепах, который размягчался в горячей воде, а потом нарезался тонкими пластинами. При декорировании пластины иногда выкрашивали цветными лаками в рубиновый или темно-коричневый тона. Латунь, в зависимости от замысла художника, могла сочетаться с бронзой, медью или серебром. Плоскостной декор дополнялся небольшими вставками из золоченой бронзы — ормолу. Для изготовления корпуса мебели использовались драгоценные породы черного и красного дерева, которые завозили из Индии и Китая голландские купцы. Андре Булю удалось оправдать надежды короля, поэтому неудивительно, что у мастера появились многочисленные поклонники, среди которых были испанский король Филипп V, курфюрсты Баварский и Кельнский. Со временем интерес к мебели в стиле "Буль" не угасает: в середине XIX века наступает ее второй расцвет. На мебель возникает повышенный спрос, ведь каждая обеспеченная французская семья хочет иметь в своем доме "кусочек" Версаля. В Париже возвращают к жизни утраченные секреты старых мастеров известные мебельные мануфактуры Bastet, Krieger, Mercier Freres. Они используют в изготовлении мебели те же материалы, что применялись и в XVII веке.

Depose Paris
Комод середины XIX века превратит любую гостиную в уголок Версаля. Изящный волнообразный корпус изготовлен из черного дерева, центральная дверца украшена роскошной овальной арабеской, выполненной в технике инкрустации латунью по черепаховому панцирю. В композиции использован фантазийный цветочный рисунок, основанный на ранних набросках Андре Буля, — так называемый "голландский натюрморт". Арабеска заключена в золоченую бронзовую раму. Боковые панели комода украшены по центру небольшими ормолу в виде розеток с женскими головками. Верхняя крышка комода выполнена из белого мрамора, а во внутренней отделке комода использовано красное дерево. Интересная деталь: на бронзовом замке выбито клеймо Depose Paris: от старофранцузского de pose — "закладывать", что полностью означает "сделано в Париже". Глядя на этот шедевр мебельного искусства, нельзя не вспомнить романы Александра Дюма, в которых описывается блеск красивейшего из дворцов Европы — Версаля.







АНТИКВАРИАТ: ИСТОРИЧЕСКИЕ ЦЕННОСТИ В СОВРЕМЕННОЙ ЖИЗНИ 12 01 2012

Трудно найти человека, который не оценил бы по достоинству старинную вещь, хотя лишь немногие поистине этим увлекаются. Причин для покупки антиквариата может быть много. Вот некоторые из них:

Любовь к истории. Такая заинтересованность отражает желание человека ощутить на себе влияние эпохи и стать её частью, попытаться раскрыть какие-либо тайны и явить их миру.
Приверженность классическому стилю. Старинные вещи представляют собой своего рода эталон настоящей классики: четкие линии, сдержанный дизайн, прочность, постоянное соответствие моде т.д. Поэтому купить антиквариат – это значит сделать свой дом не только уютным, но и красивым. Ведь, как известно, ранее мебель, часы, столовые приборы и т.д., изготавливались раз и навсегда, что на протяжении многих столетий позволяет им оставаться прекрасными внешне и практичными в использовании.
Статусность. Для людей, которые ведут публичную жизнь или занимаются серьезным бизнесом, очень важно всегда, везде и во всем находиться на должном уровне. Это касается как внешнего вида, так и обустроенности офиса или дома. В престижности антикварных вещей никто сомневаться не станет, именно поэтому покупка старинной вещи является одним из способов продемонстрировать свое знание и понимание искусства, а вместе с тем и заявить о своем статусе.
Вложение капитала. Предметы антиквариата сами по себе не только своеобразны и прекрасны - они также являются народным достоянием нации или страны, с историческим развитием которых связаны. Поэтому большинство предметов старины с течением времени возрастают в стоимости, что позволяет покупателю в будущем выручить значительную сумму средств при продаже. Помимо вышеуказанных, существует ещё множество факторов, влияющих на покупку старинных вещей. Однако следует понимать, что предметы антиквариата имеют свои отличительные признаки, которые и относят их к числу раритетов:
Возраст. По сути, предмет может стать антиквариатом с течением времени и истории. Чем старше вещь, тем больше её стоимость.
Художественная ценность. Для того, чтобы предмет мог быть отнесен к числу раритетов, он должен обладать художественной неповторимостью или какой-либо исторической особенностью.
Покупка антиквариата может быть обусловлена желанием иметь в собственности что-либо изысканное, будь то старинная картина, часы, фарфор или же антикварная мебель. Такие предметы, пропитанные энергетикой прошлых веков, придают невероятное чувство уюта и комфорта, который так важен в современной жизни, развивающейся стремительными темпами.







ВАЗА КОРОЛЕЙ 01 10 2012

KÖNIGSVASE (Ваза Королей) - именно такое величественное название получило монументальное творение Дрезденской фарфоровой мануфактуры, представленное в салоне «Старинный интерьер». Какова же история создания одной из красивейших ваз саксонской мануфактуры?

Дрезденский и Мейсенский фарфор иногда путают между собой из-за длинной истории сосуществования двух мануфактур рядом. Фактически дрезденский фарфор есть ветвь мировой марки Мейсеновской мануфактуры. Фарфор Саксонии получил известность еще в начале XVIII века, когда алхимик Иохим Беттгер вместо того чтобы получить золото из свинца и ртути, неожиданно для себя раскрыл секрет «белого золота» Китая. Произошло это замечательное событие в замке Albrechtsburg, который находился в несколько милях от Дрездена. Надо отметить, что Дрезден в XVIII веке принял пальмовую ветвь первенства центра культуры и искусства от Версаля и стал средоточием европейских талантов. В Саксонской столице творили известнейшие скульптора, живописцы, поэты, философы. Саксонские курфюрсты собирали жемчужины всемирно известной Дрезденской галереи. Почти 150 лет творили рядом Дрезденские и Мейсенские мастера фарфора. Со временем изготовление фарфора перестало быть секретом за семью печатями и к середине XIX века в Саксонии уже работало множество кустарных производителей, которые привносили новые приемы к традиционному искусству «белого золота». Одним из самых успешных и предприимчивых мастеров-одиночек был Карл Тим, который в 1872 году решил перейти от кустарного к промышленному производству. Деловым партнером Карла Тим, а впоследствии и зятем, стал талантливый скульптор Карл Огюст Кунц. Именно Кунц разработал фирменный стиль дрезденского фарфора – знаменитые пышные «саксонские букеты» в сочетании с пейзажными и пасторальными сценами, заключенными в рокайльные картуши. Марка мануфактуры – синие скрещенные буквы S и P и подписью Drezden – стала легко узнаваема среди множества других фабрик Европы. Кунц оказался не только талантливым скульптором, но и дальновидным предпринимателем. Он организовал экспорт дрезденского фарфора в Соединенные Штаты Америки. Уже в конце XIX века дрезденский фарфор получил признание за свою красоту на Международных выставках в 1893 году в Чикаго и в 1900 году в Париже. Вполне заслуженно мастеру Кунцу в 1889 году было предложено изготовить уникальную вазу к восьмисотлетию правителей Саксониии – Дома Веттингов, которые оказали огромное влияние на ход истории не только Европы, но и всего мира. Достаточно вспомнить, что ныне здравствующая королева Великобритании, Елизавета II, происходит из саксонской ветви Веттингов.

Династия Веттингов берет свое начало от замка Веттин на берегу реки Заале. По Альтцеллской летописи саксонские правители происходят от короля юго-восточной Германии - Видукинда. Из этого старинного и славного рода были выбраны на Коронационных Сеймах Речи Посполитой правители обоих народов: Фридрих Август Сильный (1670-1733) и Фридрих Август II (1696-1763). Именно при Августе Фридрихе, прозванного за свою огромную стать и мощь - Сильным, была основана фарфоровая мануфактура в Мейсене, а его приемник собрал коллекцию шедевров Дрезденской галереи. Неудивительно, что и «несвижские» короли Радзивиллы заказывали для своих замков фарфор именно в Саксонии.

Сам оригинал вазы был утрачен во время страшной бомбардировки американской авиацией Дрездена весной 1945 года. Среди коллекционеров остались немногочисленные повторы, выпущенные Дрезденской мануфактурой для почитателей саксонской династии.

C первого взгляда ваза поражает зрителя не только своими размерами, но и и тонкой проработкой деталей. Говоря о размерах, а высота вазы 116 см., немаловажно отметить большую технологическую трудность в процессе изготовления такого шедевра. Дело в том, что фарфор при обжиге дает усадку и по выходе из печи его форма может дать не только искривление, но и трещину материала. Одно дело работать с фигуркой высотой 5-10 см., другое – с монументальным произведением. Тут многое зависит от качества самого материала(белой глины - каолина), так и от расчета времени обжига до секунды. И конечно, не забываем о таланте мастеров, участвующих в создании вазы, начиная от скульптора, заканчивая живописцем, который наносит последние штрихи росписи. Сама ваза состоит из трех частей: подставки, самого кратера вазы и навершия. Тем не менее, ваза смотрится единой скульптурой в обрамлении пышных «дрезденских» букетов. В цветочных гирляндах мы легко узнаем незабудки, вьюнки, маргаритки, фиалки, розы. Причем каждый цветок выполнен с удивительным изяществом и тонкостью таким образом, что только прикосновение руки дает зрителю понять, что это не шелковистый лепесток, а гладкая поверхность фарфора. Композиционный центр вазы – это небольшие картуши в форме двух сердец под королевской короной, которою в обрамлении цветочной гирлянды поддерживают два путти. Тему семейных уз и любви продолжает пасторальная сценка, выполненной в технике подглазурной росписи и расположенную над геральдической композицией. Молодой пастушок, приклонив колено, признается в своих чувствах прелестной юной пастушке, которую сопровождает белый ягненок – символ чистоты и покорности. Кратер вазы по бокам фланкируют изящные ручки, выполненные в виде переплетенных цветов, трав и листьев. Верх кратера украшают четыре великолепные обнаженные фигурки путти, символизирующие времена года и быстротечность времени. Причем каждый из малышей держит в руках неповторимый букет цветов. Навершие вазы выполнено в форме сложного купола с закрученным лощатым орнаментом. Вазу венчает картуш под королевской короной. Сам картуш с изображением фиолетового тюльпана, синих вьюнков и распустившейся розы между рокайльных мотивов поддерживают все те же спутники любви – путти. Надо еще отметить, что вся свободная от лепных украшений поверхность вазы покрыта цветочным орнаментом в сочетании с золотом.

Рядом с таким шедевром смолкают праздные разговоры и утихает суета, наступает торжественная тишина и восхищение Саксонской королевой ваз – KÖNIGSVASE.

автор статьи: Сурмаческий В.И.







СПАЛЬНЯ В ИМПЕРСКОМ СТИЛЕ 19 12 2015

О нем она во мраке ночи,
Пока Морфей не прилетит,
Бывало, девственно грустит.
А.С.Пушкин. (Евгений Онегин).

В грезах окунуться в объятья Морфея и плыть по реке сновидений мимо золотых кувшинок со стрелой, мимо веерообразных листьев пальметт, с шуршанием дрожащих под дуновеньем легкого Зефира. Сквозь дрему ощутить тонкое благоухание розового дерева. Вверху, в тени экзотических листьев аканта увидеть игривых амуров, стерегущих покой сладких утех, а внизу между аллей розовых деревьев мелькнет сладкий поцелуй Венеры и Адониса в трепетном свете жертвенного огня. Страсть любви снова и снова возгорается от света домашнего очага, который зорко хранит строгая Веста.
Нет, это не мифологическое повествование Древней Греции и не предисловие к очередной «сказке-фэнтези». Наверно такие мечтательные чувства рождаются при взгляде на изысканную спальню эпохи «русского ампира».
Провенанс или история этого спального гарнитура началась почти 200 лет назад, в первой четверти XIX века, в Санкт-Петербурге, в эпоху расцвета стиля «русского ампира». Такую спальню в ту эпоху могли себе позволить выполнить по индивидуальному заказу только представители высшего сословия императорской России. Скажем, из самого «верхнего эшелона» привилегированных особ: князья, графы, бароны. Переплетенные буквы «С» дают нам предположение о том, что это могли быть представители княжеского рода Салтыковых (один из Салтыковых мог быть даже отцом императора Павла І) или графского рода Строгановых, богатейших купцов и меценатов Российской империи XVI-XIX веков. И у тех, и у других были великолепные дворцы в Санкт-Петербурге.
Спальня… Этот интимный интерьер в России допетровской эпохи имел певучее название: опочивальня или проще, постельная комната. С приходом европейской моды и европейского стиля в декорирование интерьеров скромная боярская опочивальня превратилась в целый комплекс отдельных интерьеров, объединенных анфиладой. Спальня у царственных особ уже занимает не только этаж, но и целую часть дворца. К самой спальне примыкает дамский будуар, который при Екатерине ІІ именуется «кабинетом мод и граций», ванная комната носит названием «мыльня» или «купальня», далее идет «бриллиантовая комната», где хранились «лалы, яхонты, смарагды и диаманты» - вернейшее средство для утешения красивых дам. Да, в самом Зимнем дворце Санкт-Петербурга было более ста спален.
Родиной стиля ампир принято считать Францию, которая на протяжении нескольких веков была законодательницей моды и стиля в искусстве всей Европы. Как, впрочем, и сейчас она поддерживает эту роль. EMPIRE - ампир, имперский стиль возник в эпоху наивысшего могущества и расцвета Французской империи при Наполеоне Бонапарте. Поздний классицизм или стиль директории уже подготовил почву для расцвета нового стиля в искусстве. В последнюю четверть XVIII века в дизайне интерьеров и мебели господствовали простые формы и небольшие заимствование декоративных элементов из искусства Древнего Рима и Греции. Мода на пальметты, лавровые венки, ромбические жемчужины была обусловлена первыми грандиозными археологическими раскопками в Помпеях и Геркулануме. Приход к власти в Париже Наполеона, его многочисленные победы на полях сражений, главенство силы, смелости и оружия привнесли в новый стиль возвышенную парадность и торжественность. Каждая деталь архитектуры и декора должна говорить о мощи, красоте и незыблемости империи. Золото – вот излюбленный материал и цвет ампира. Он использовался в сочетании с сочными тонами: парижская лазурь, вайда(цвет мундиров наполеоновских солдат), бордо, амарант, абажу(красного дерева). Особое внимание отводится бронзе и ее применению в декорировании мебели и интерьеров. Отливка, отделка и золочение бронзы в этот период доводится до совершенства, как и все, что делалось в имперском стиле. Для придания точности бронзовым элементам декора (ormolu), каждая деталь доводилась вручную специальными резцами – шабером и штихелем. Потом полировалась и крацевалась в зависимости от поверхности дальнейшего золочения: глянцевого или матового. После этого ormolu покрывалось толстым слоем золота пробы 999 на «горячее золочение», что было гораздо прочнее, чем гальванический способ, который изобрели к середине XIX века. При этом поверхность бронзовой детали приобретала неповторимый сочный «лимонный» цвет. После золочения глянцевая поверхность детали еще раз проходилась специальной стальной иглой для придания зеркального блеска. Над эталонами ормолу и над общим дизайном интерьеров и мебели работали лучшие архитекторы и декораторы Франции Шарль Персье и Пьер Фонтен. Персье даже состоял в переписке с российским императором Александром І и по просьбе последнего в 1809 году отправил в Санкт-Петербург двенадцать томов архитектурно-декоративных новшеств «Здания и памятники Парижа при правлении Наполеона», которые легли в основу русского ампира. Ампир в России просуществовал до 1840-го года, а в самой Франции он ушел вместе с эпохой Наполеона, в 1814 году. Долголетие этого стиля в России можно объяснить тем, что военная эстетика и сам стиль жизни Российской империи, в основе которой был тезис о могуществе Великой державы, великолепно сочетался с эстетикой ампира, который после 1840-х годов еще получал «второе» дыхание в 1870-х и даже в советскую эпоху 1950-х годов.
В отличие от французского ампира, где краснодеревщики использовали при изготовлении мебели массив красного дерева, российские мастера каркас мебели делали из сосны и дуба, а лоск уже наводили с помощью лущеного толстого шпона экзотических пород деревьев: красного, розового, палисандра, тополя, карельской березы. Нередко вместо золоченых бронзовых ормолу использовались тонкие гипсовые отливки, которые потом покрывались сусальным золотом «на полимент» с последующей полировкой агатовым «зубком». В первой трети XIX века в Санкт-Петербурге особым успехом пользовалась мебель мастерской братьев Гамбс, а над мебелью для Императорского двора работал известный мастер-краснодеревщик Василий Бобков (1779-1855).


Спальный гарнитур состоит из двуспальной кровати, двух прикроватных тумб-комодов, большого плательного шкафа и изящного дамского туалетного столика. Весь комплект выполнен в стиле русского ампира и смотрится единым ансамблем. Каркас мебели выполнен из массива дуба, который покрыт шпоном розового дерева. Буа де роз(bois de rose), такое название получила экзотическая порода дерева, которая использовалась у краснодеревщиков Европы и России только для изготовления элитной мебели. Кстати, шпон буа де роз был очень дорогим из-за редкости самого растения, потому что оно произрастало исключительно в субтропиках Бразилии и Гватемалы. Поэтому, чтобы показать всю красоту переливов среза древесины, большие поверхности филенок гарнитура выполнены в технике ассамбляж и шпонированы розовым деревом в рисунок «конверт». В конструктивную композицию спальни широко внедрены архитектурные мотивы Древнего Рима. И это характерно для мебели русского ампира, где использованию архитектурных мотивов отдавалось особое значение. Поэтому во всех элементах спальни мы легко находим: карнизы, колонны, фризы, картуши. Восьмигранные или октогональные колонны фланкируют и объединяют фасады всей мебели. На фасаде большого платяного шкафа они даже перетянуты посередине бронзовым валиком в виде пары венков из ов и лавра. Особо хочется остановится на великолепной бронзе гарнитура. Она выполнена высочайшим мастером своего дела и каждая бронзовая деталь в мебели доведена до совершенства. Таким мастером в России в начале ХІХ века был Поставщик Двора Его Величества Фридрих Бергенфельд(1768-1822), который работал исключительно по заказам Императорского Двора или для богатой русской знати: Шереметьевых, Строгановых, Юсуповых. Работы мастера хранятся в Зимнем, Павловском и Петергофском дворцах. Поэтому бронзу, покрытую «горячим» золотом, можно рассматривать в спальном гарнитуре как отдельные произведения искусства. Это и великолепный коринфский ордер колонн, где колокол капители обвит листьями аканта. Это и край карнизов, столешниц, базис мебели, декорированный бронзовым поясом с мотивом «овы». А внутренняя филенка отделена от внешней рамы тонкой бронзовой каймой с мотивом «кувшинки со стрелой». Еще один мотив «ионика» мы встречаем в нижнем поясе фриза платяного шкафа. Великолепное ормолу в виде барельефа головы Аполлона, увенчанной лавровым веном, украшает верхнюю филенку шкафа. Бог Солнца, покровитель муз и врачеватель не с проста встречал каждый раз хозяйку спальни, которая красовалась по утрам у большого зеркала с изящным фацетом. Бронзовые композиции, которые венчают вверху кровать, шкаф и зеркало-псише, полны мастерства скульптора и строгой симметрии. Это большие аркуши с переплетенными буквами «С» с пальметтами, и в обрамлении широких листьев аканта, за которыми прячутся слева, и справа игривые амуры. Туалетный столик интересен овальным зеркалом-псише, которое крепится на боковых S-образных стойках, что давало, благодаря такому устройству, возможность менять наклон зеркала. Моду на такие зеркала ввел в России Генрих-Даниель Гамбс, краснодеревщик и с 1810 года поставщик Двора Его Величества. Туалетный столик вошел в моду с XVIII века и хранил многие дамские тайны: белильницы, румянницы, ароматницы. Интересно отметить, что при рождении этого спального гарнитура, в начале XIX века кодекс элегантности предполагал изящное благоухание неслышными ароматами пряностей или душистых растений - розы, жасмина, флердоранжа, которыми перекладывали белье в шкафу или в комоде.
Особую композиционную и смысловую тему в спальном гарнитуре имеют большие круглые бронзовые медальоны с барельефными изображениями мифологических сцен. Аналоги таких медальонов мы найдем в творчестве одного из самых известных скульпторов эпохи ампира графа Ф. П. Толстого(1783-1873), вице-президента Императорской Академии Художеств. Изящными медальонами, которые по краю обведены орнаментальной рамой «кувшинки со стрелой», украшены основные предметы гарнитура – двуспальная кровать и платяной шкаф.
Нижнюю филенку шкафа украшает медальон с композицией «Веста и Венера у семейного очага». В центре мифологической композиции изображены две богини: Венера – богиня любви и Веста – хранительница семейного очага и жертвенного огня в Древнем Риме. Венеру игриво подталкивает к семейному очагу один из амуров, при этом богиня любви из маленького килика льет оливковое масло в жертвенный огонь. Семейный очаг в виде треножного светильника обвивает внизу змей, который символизирует, благодаря герою Древней Греции Асклепию, здоровье. Веста ободряет Венеру и указывает на Амура, расположившегося на полуколонне-пьедестале, тем самым объясняя, что только благодаря сильным чувствам будет гореть семейный очаг. Амур со стрелами любви за плечами протянул свои пухленькие ручки для объятий богине красоты.
Двуспальную кровать с трех сторон украшают барельефы с мифологической композицией «Поцелуй Венеры и Адониса». Центр медальона занимают две полуобнаженные фигуры Венеры и Адониса, которые прильнули друг к другу в страстном поцелуе. Адонис славился своей красотой и был единственным, в которого влюбилась богиня красоты и любви Венера. У ног возлюбленных пылает домашний очаг. Справа пару сопровождает амур, предупреждающий жестом указательного пальчика о тишине и держащий в руке факел любви. Адонис, левой рукой обнимающий Венеру, правой не забывает возложить лавровый венок, символ победы, на голову Амуру, который объединил в себе и чувственность, и эротизм. Мифологический малыш разделил пьедестал вместе с сидящим псом – символом верности.
Счастлива будет та влюбленная пара, которая отправится в мир чувственности и сновидений вместе с мифологическими героями элитной спальни эпохи «русского ампира».

Автор текста: Игорь Сурмачевский, коллекционер, искусствовед, дизайнер.